miércoles, 30 de marzo de 2011

Zombie


Hace algunos años alguien especial me descubrió la música de Fela Kuti, desde que lo oí me encantó su ritmo, la fusión de jazz y música africana y algunas de las letras de sus canciones, en especial Zombie. Fela Kuti no pudo haber sido más directo y preciso al definir a los militares de su país, Nigeria, como zombies (un calificativo que creo que describiría también perfectamente a los militares de Venezuela, sordos a cualquier reclamo democrático, supongo que sigue siendo útil para definir a las fuerzas armadas de muchos otros países aquí y ahora).
La música de Fela Kuti tiene elementos típicos de la música africana, una composición vocal y ritmos tradicionales  mezclados con miles de influencias diversas y fundamentalmente con el jazz aunque existe algo más en su música que la hace actual y moderna a pesar de tener algunas de sus canciones más famosas en torno a los 40 años de antigüedad, reflejo de sus estancias en Inglaterra y Estados Unidos pero también de una personalidad cosmopolita, curiosa. Su música es bailable pero también feroz y crítica, así también en este aspecto se produce una mezcla poco habitual la de ritmos alegres junto a letras con mensaje surgiendo canciones de largos solos instrumentales y repetición sincopada de frases y coros.
Fela Kuti se enfrentó a la dictadura militar de Nigeria, a la pobreza de África, al atraso del continente, fue un activista de los derechos humanos y un artista crítico no exento de enormes contradicciones. En todo caso aún sin su actividad política de oposición a las dictaduras opresoras la revolución de su música habría sido suficiente para reflejar sus ansias de libertad y cambio. Y eso es lo que independientemente de que pueda gustarte más o menos el jazz o el llamado Afro-beat que los críticos atribuyen a Kuti puedes sentir escuchando su música, una rebeldía que emerge con energía en cada canción, un deseo de libertad.
Cuando se oye la música de Fela Kuti, ésta refleja muy bien antes de que pudiera su autor vivirlo, la fusión que se encuentra en las grandes ciudades del mundo, con gente de todas las procedencias mezclándose unas con otras, enviándose mensajes a través de internet, conociendo las culturas unos de otros a través del cine, el arte, la música, desvaneciendo las fronteras un poco.


*Someone especial discover to me years ago the music of Fela Kuti. Since I heard it I loved it, the rhythm, fusion of jazz and African music, the lyrics of some of his songs, especially Zombie. Fela Kuti was extremely precise when he described the military of his home country, Nigeria, as zombies. (I would dare say that we can also call this way the military of Venezuela and other countries nowadays).
Fela Kuti´s music has traditional African elements indeed a vocal composition totally traditional but mixed-up with thousands of rhythms being jazz the main one of them, although something more makes Kuti´s music modern and different, surely a consequence of his travels to United Kingdom or United States and essentially a consequence of a cosmopolitan mind wide open to the world. Fela Kuti´s songs are made for dancing but also are full of letters with critics a peculiar mix, fierce songs with long instrumental solos and repetition of phrases and answers from the chorus.
Fela Kuti was against the military dictatorship of Nigeria, the poverty of Africa, he was an activist of human rights and a critic artist with some contradictions. Even without his political engagement his music alone reflects his aim of freedom and change. You can feel this desire of freedom even it you do not like jazz or afro-beat the sound that critics said was created by Kuti.
When you hear Fela Kuti music it is perfectly reflected the enormous cultural fusion that we experiment on the big cities around the world, even though his author could not live these times when people of all races walk together on the streets while sending messages to each other to different places of the world thanks to internet, knowing each other cultures, destroying frontiers a little.
Algo de la música de Fela Kuti:
A taste of Fela Kuti´s music:






Desconozco el fotógrafo de las imágenes de Kuti, la máscara es nigeriana y se encuentra en el Museo de Arte Africano de Washington.
I had not found the author of Kuti´s pictures, the mask is at the National Museum of African Art in Washington.

Para saber más de la biografía de Fela Kuti visiten http://www.felaproject.net/ pero es mejor escucharlo.
In order to learn more about Fela Kuti´s life visit http://www.felaproject.net/ but it is much better to just hear his music.

domingo, 27 de marzo de 2011

Io sono l´amore


El año pasado me fijé en una fotografía de una rubia estilo “Hitchcock” con el Duomo de Milán al fondo y acompañada de un bolso Hermès, pensé inmediatamente que se trataba de una publicidad de la famosa marca en un sutil homenaje a Hitchcock, lo del Duomo de Milán no me encajaba tanto pero ya se sabe que el mercado del lujo es siempre internacional. Después me enteré que la rubia era la actriz Tilda Swinton y que no se trataba de una fotografía publicitaria sino de un fotograma de la película del director Luca Gudagnino, Io sono l´amore. Sólo analizando la fotografía ya me imaginé toda la historia, una mujer sofisticada a finales de los años cincuenta se enamora del hombre equivocado, sufre y la historia termina mal, tenía muchísimas ganas de verla, me imaginaba a Tilda Swinton calzada con unos Ferragamo corriendo por Milán para darse cita con su amante. Hace tan sólo unos días conseguí verla ya que se me escapó en el cine. Quienes la han visto saben perfectamente que la historia se desarrolla en Milán pero en pleno siglo XXI y que Tilda no se calza nunca unos Ferragamo.
Io sono l´amore empieza de forma prometedora con una secuencia inicial que resume en veinte minutos las claves de toda la película, la casa de la familia Recchi, la ciudad cubierta por la nieve, el interior sobrio, racional y elegante, la familia reunida en una cena que se sirve cuidadosamente, donde los platos aparecen y desaparecen de forma cronometrada, estéticamente este inicio es perfecto. Pasan los meses, llega el buen tiempo y Tilda Swinton aparece elegante paseando por la cubierta del Duomo, avanza la primavera y nos trasladamos a San Remo donde la película abandona el esteticismo y el orden sobrio de la primera parte para derrapar en una serie de escenas vivaces, coloridas y algunos encuadres que pretenden ser artísticos y son bastante absurdos. En el final de la película no hay rastro de planos bellos y vuelve cierta oscuridad con un final que calificaría de histérico. Tengo que explicar que a mi una película ya me entretiene por el sólo placer de contemplar ciertas escenas, donde haya una arquitectura bonita, planos hermosos de la naturaleza, me entretengo simplemente “mirando”, esto ya sé que no es suficiente para calificar una película como buena y entonces quizás Io sono l´amore no lo sea, pero definitivamente tiene elementos que la hacen original y un homenaje a Hitchcock que a cualquier seguidor conquistaría. Los Recchi son una familia en las que los hombres les gusta rodearse de mujeres bellas, seguramente para contemplarlas sin más, el problema es que puede que esas mujeres se nieguen a ser meros objetos estáticos, así también la película se complace en la composición de imágenes bellas faltándole probablemente algo más de sentimiento.
La he vuelto a ver por esa primera secuencia y por esa casa para cuya fachada y algunos detalles han utilizado la Villa Necchi Campiglio en el centro de Milán, casa diseñada por el arquitecto Piero Portaluppi entre 1932-1935 y que sigue los dictados racionalistas de la escuela italiana de Giuseppe Terragni deudora a su vez de la Bauhaus. La casa es lo más hermoso de ver, las luces futuristas como de cine en su entrada principal, sus dobles puertas acristaladas entre las que se disponen plantas, su escalera con lajas de madera y sus baños con grandes espejos que no reflejan más que la soledad.



*Last year I saw a picture of a Hitchcock style blonde with the Milan Duomo façade behind and a Hermès purse on the side, I thought that it was an add of the famous French house in a subtle homage to Hitchcock, the Duomo did not fit properly in that picture but we know luxury is always international. Some days after I found out that it was not an ad and that the Hitchcock blonde was indeed the actress Tilda Swinton that played the main role in Luca Guadagnino´s film Io sono l´amore, quickly I composed the whole story in my mind imaging Tilda Swinton wearing a pair of Ferragamo shoes and running across Milan to encounter her lover in a secret date during the 50 decade. A sophisticated woman in love with the wrong man, a story with a sad end. Those who have seen the movie perfectly know that the story takes place nowadays and even more Tilda never wear a pair of Ferragamo shoes.
Io sono l´amore initial sequence reveals in twenty minutes all the essential elements of the film, the house of the Recchi family, elegant, rational, sober, the snow covering Milan, the family reunited in a supper carefully served, with dishes that punctually appear and disappear, it is a beautiful star. Month passes and good time comes while we see an elegant Tilda Swinton walk over the Duomo roof, spring advance and we travel to San Remo where the tone of the film changes and vivid scenes start full of color, we will see sensuous beautiful images and others allegedly artistic yet absurd. At the end the aesthetic disappear, images are darkened and scenes succeed hysterically. I have to explain that I find movies attractive by the simple fact of the beauty of some of some scenes, I have pleasure by only “watching” a film, I know splendid scenes are not enough to create a good movie and therefore it might be possible that Io sono l´amore would not be exactly a good movie, but it has some original elements and a clear homage to Hitchcock that any fan will love. The Recchi men love to be surrounded by beautiful quiet women however the problem is that sometimes the beautiful “objects” are not resigned to be quiet, the film is a succession of pretty scenarios and objects but it is limited in emotions.
I have seen it twice just for the first sequence and for contemplating the house, the façade and some interiors have been shoot in the Villa Necchi Campiglio situated in Milan city centre, designed by architect Piero Portaluppi between 1932-1935, is a rationalist house under the influence of Giuseppe Terragni architecture school also following Bauhaus artistic theories. The house is astonishing, the futuristic lights over the main door, the entrance with two glass doors and plants in between, the wood details over the staircase and the big mirror on the bathroom reflecting nothing but loneliness.

Para saber más sobre la Villa Necchi Campiglio visiten http://www.casemuseomilano.it/ y sobre el arquiteco Piero Portaluppi visiten la página de la Fundación Portaluppi en Milán http://www.portaluppi.org/ / If you wish to know more about the Villa Necchi Campiglio visit the site http://www.casemuseomilano.it/ and you might also want to visit http://www.portaluppi.org/ the site of the Portaluppi Foundation with information about the works of Portaluppi.


sábado, 26 de marzo de 2011

Trenzado [s]

 Detalle de la Universidad Central de Venezuela. Carlos Raúl Villanueva, década de los 50
Central University of Venezuela. Carlos Raul Villanueva, 1950-1960

Hace aproximadamente tres años volvieron a ponerse de moda las trenzas como peinado. Se trataba de trenzas algo deshechas, de lado, sobre la cabeza, postizas o propias, nada complicadas ni pulidas que completaban a la perfección un estilo confeccionado con telas vaporosas, colores suaves y en el cual lo interesante era parecer indiferente, como si se acabara de volver de un paseo por el campo en plena tarde de verano. En el otoño de 2009 Joseph Altuzarra, diseñador francés de origen hispano-chino formado en Historia del Arte presentó en Nueva York su colección para el verano de 2010, en esa colección rescató el trenzado “à la grille” típico de las sillas de mimbre o de otra madera con respaldo y asientos “trenzado” (en mi habitación en la casa de mis padres tengo dos de estas sillas plegables cómodas y eternas); me atrajo la traslación de una forma de trabajo artesanal y relacionado con el mobiliario hacia los tejidos. Seguía la senda del “capitonnage” de los bolsos de Dior. Patricia Urquiola, diseñadora asturiana afincada en Milán sorprendió a todos (como lo hace siempre) trenzando sus sillas, que modernas y de brillantes colores recordaban a las antiguas sillas de terraza.
En estos tres años ha vuelto el trenzado en dos de sus acepciones, participio de trenzar y también en su significado de hecho “con desaliño, sin cuidado”. Han vuelto el crochet, el punto, los tejidos bastos en colores crudos, la rafia, la arpillera. Subyace en nuestras modas un deseo de recuperar lo artesanal: las cocinas con antiguas ollas ennegrecidas, la proliferación de la oferta de productos frutales directamente comercializados desde huertos naturales mantenidos por sus dueños sin utilizar pesticidas, los sillones de cuero envejecidos, los baños con grifería antigua, la revalorización del dibujo en el mercado del arte. Existe en nosotros la necesidad de recuperar algo definitivamente perdido pues no vuelven las cosas a ser lo que eran, rodeados de elementos tecnológicos no vemos contradicción en conservar gestos arcaicos que nos conectan con los humanos de hace cien años, no queriendo perder lo manual, escribiendo notas con plumas, tejiendo nuestros cabellos.
Cuando la Revolución Industrial permitió la producción en masa de elementos de construcción y empezaron a deslumbrar los grandes “palacios” de hierro y cristal, los artistas de las Arts and Crafts volvieron al refinamiento, los colores, la belleza del contacto con la naturaleza, la recuperación de la pintura por su valor estético, el trabajo de la piedra, la vida al aire libre en los campos, desde entonces la tecnología transforma nuestras formas de vida y nosotros nos aferramos cada cierto tiempo a aquello que podemos hacer con nuestras propias manos quizás soñando con que la transformación no será definitiva, que delicadas formas convivirán siempre con las aristas de lo industrial. Incluso lo que fue industrial hace cien años, las abandonadas chimeneas, las viejas estaciones de tren; se confunden con lo artesanal en una aspiración de rodearnos de historia, nuestras “machines à habiter” se vuelven cada vez más eficientes mientras nosotros insistimos en que la ventana dé al jardín.
Pienso que debido a la sagacidad de reflejar esa estrecha relación que tenemos entre la modernidad y lo que consideramos primario en nosotros, es que películas como Gattaca o Blade Runner han envejecido bien, puesto que no mostraban un futuro puramente tecnológico sino uno en que los humanos conservábamos viejas fotografías en blanco y negro o nos transportábamos en coches con el diseño de los años cincuenta. El “futuro” de América Latina se fue construyendo a mitad del siglo XX  gracias al uso extensivo del hormigón que sin poderlo remediar no fue sólo materia lisa y fría sino compañero del color siendo “trenzado” para crear formas y luz.
Desde el presente giramos la cabeza para mirando al pasado reconocernos y mientras…todo cambia para seguir igual como afirmara Tomasi di Lampedusa en El Gatopardo.
Sillas Tropicalia de la diseñadora Patricia Urquiola
Tropicalia chairs by designer Patricia Urquiola



 











 Diseños de Joseph Altuzarra
Designs by Joseph Altuzarra


*About three years ago hair braids became fashion again. They were messy bride, on one side of the head, over the head, real or false, effortless and imperfect that completed a whole tendency built from light dresses and soft colors, where the game was to seem careless as if you were coming from a walk in the country on a summer afternoon. In 2009 fall, Joseph Altuzarra a French designer with a B.A in Art History and Chinese and Spanish origins, showed his spring/summer collection that used the typical grille form of some wicker (or other wood made) chair, this translation of a decorative motive to fabric called my attention (in my room at my parents house I have two folding wood chairs comfortable and everlasting). He was in the same path that the “capitonnage” of Dior bags. Patricia Urquiola surprised us all (as she always does) with plaited colorful modern chair that reminded the typical terrace chairs.
In these last three years the plaiting has become a symbol not only of a rough vision of design but also of the men craft work. Crochet, knitting, untreated fabrics, raffia, sacking have all being rescue. In this fashion there is a hidden desire of connecting with a handicraft way of producing things: the kitchens decorated with blacken pots, the natural products sell by the farmers and produce without pesticides, the ancient leather armchairs, the antique faucets in the bathrooms and the art market interested in drawings. We need to recuperate some of the aspects of our human life as it was conceive hundreds years ago; we try to keep somehow things as they were even if we know nothing will ever be the same. We write notes with our pens, we braid our hairs.
When the Industrial Revolution allow to erect incredible glass and iron “palaces” the Arts and Crafts artists came back to the natural life in the country, to the beauty of the nature, the elegance of colors and refinement in painting. Since then from time to time we try to combine the technological forms with the natural ones, dreaming that the transformation of our lives will never be definitive and that we will always count on delicate forms to ornate our modern spaces. Even what was consider industrial and ugly decades ago is recuperated nowadays, the abandoned chimneys, the old train stations; in our aspiration to bring some history to our existences. Our “machines à habiter” are more and more efficient though we insist on having a window with a view.
I believe that thanks to a wise vision of the future, movies like Gattaca or Blade Runner are still modern as they showed us a future where humans will keep black and white pictures or transport themselves by 50´s style cars. The “future” in Latin America was built in the middle of the XXth century with concrete that could not be cold and plain but connected to color and “plaited” to create forms and bring light.
From our present we like to look to the past in order to recognize ourselves while…everything changes so everything stays the same as Tomasi di Lampedusa wrote in The Leopard.

Fábrica Pompeya de la arquitecta Lina Bo Bardi, Sao Paulo, 1977-1986
Pompeia Factory by architect Lina Bo Bardi, Sao Paulo, 1977-1986 



Hotel Aire de Bardenas en Tudela, Navarra. Mónica Rivera, Emiliano López, 2004-2007
Aire Hotel in Bardenas Park, Tudela, Navarra, Spain. Monica Rivera, Emiliano Lopez, 2004-2007
Fotografía tomada de http://www.arqa.com/ / Picture copied from http://www.arqa.com/






A la izquierda trenzado de lámpara artesanal. A la derecha bolso de Dior
To the left plaited lamp screen. To the right Dior bag

miércoles, 23 de marzo de 2011

Ha llegado la primavera

La Primavera de Sandro Botticelli, circa 1482. Cupido, Venus, los naranjos y las flores retratan la alegría del florecimiento de la naturaleza y también muestran una forma de entender el amor.
The Spring by Sandro Botticelli, circa 1482. Cupid, Venus, the oranges trees and the flowers represent the joy fo the flowering of nature and are also a symbol of love.
En la calle en la que vivo hay un parque que tiene árboles grandes, pinos, arbustos con flores y cerezos. Los cerezos empiezan a florecer en esta época llenando la calle de color, coincide la salida masiva de sus flores con el alargamiento de los días, así cuando los cerezos de mi calle están todos florecidos y se ven grandes y hermosos ya puedo confirmar que estamos en plena primavera, que habrá días soleados y largos con temperaturas suaves.
Para quienes viven en el Caribe la primavera no significa el fin de las temperaturas frías puesto que no hay invierno como tal, por el contrario con la primavera comienza un período de lluvias intensas y calor húmedo, los días son más largos y el sol empieza a calentar de forma intensa desde las siete de la mañana, las lluvias torrenciales dejan paso a tardes pegajosas y a veces a atardeceres multicolores. Para mí que nací en un clima tropical el invierno es como una penitencia que hay que cumplir con cierta resignación, sin mostrar demasiado que uno va por la calle pasando frío y soñando con playas soleadas en Diciembre. Por eso cuando llega la primavera es como si empezara un nuevo año, es entonces cuando se produce para mí la renovación que se suele atribuir al otoño, la primavera es el momento en que vuelven las flores y los árboles a estar todos cubiertos de hojas verde brillante, cuando vas caminando a tu casa y te sorprendes porque son casi las nueve de la tarde y aún es de día. La gente empieza a salir más y se llenan las terrazas, no sé si los niños tienen menos horas de clase en este período o realmente nacen más pero parece que las calles se llenan de niños que a lo mejor se pasaron el invierno durmiendo y florecen con la primavera.
Esta época del año es también para muchos entre los que me incluyo la antesala de una estación, el verano, llena de cosas maravillosas, días calurosos y muy largos, fiestas, playa y principalmente la llegada de todos los familiares que por estas fechas aterrizan por aquí.
En estos próximos meses los puestos de frutas recibirán grandes sandías, fresas deliciosas y pronto las ansiadas cerezas, las tiendas ya tienen faldas naranjas combinadas con blusas rosas, las novias empezarán a pasear sus bouquets y colas marfil en los meses de Abril y Mayo, la gente se confundirá y un día soleado sacará aún el abrigo y otro lluvioso se pondrá sandalias; y así iremos caminando hacia el verano cuando quizás se nos hayan olvidado las malas noticias que nos sacuden todos los días.
En mi calle ya hay uno de los cerezos en flor, en pocas semanas tendremos las acera cubierta de una delicada alfombra lila. Donde quiera que estén ¡feliz primavera!
El Jardín del Artista, 1900. Pintado por Claude Monet en su bello jardín de Giverny. El color lila de sus flores es el color de "mis" cerezos en flor.
The Artist Garden, 1900. Beautiful garden painted by Monet at his house in Giverny. The lilac colour of these flowers is the same of "my" cherry trees.

*In the street where I live there is a park where you can find big trees, pines, bushes with flowers and cherry trees. The cherry trees star flowering in this time of the year coloring the whole street, their flowers come out when the days star to grow, so when I notice that the cherry trees are all cover with flowers and they look big and beautiful I know for sure that the spring time has begun, that we will enjoy long warm days.
For those living in the Caribbean spring time does not exactly mean the end of the winter as they do not have a winter season, spring means the star of torrential rains and sticky hot days. The sun star to warm very early in the morning and sometimes the rains make way to colorful sunsets. Being born in the tropic winter for me is a condemnation that I carry with resignation trying not to show that I am freezing while walking the streets and dreaming with sunny beaches in December. That is the reason why I consider spring time as the beginning of a new period, as a renovation (usually ascribe to autumn), in spring the flowers grow the trees are all cover with vibrant green leaves, one day walking home you are amaze to realize that it is almost nine o´clock in the afternoon and there is still sun light. Terraces are full of people and I do not know if children have less school hours or if indeed new babies are born but in spring children are all around as if they were awakening from winter hibernation.
For some of us this time of the year is just the prelude of a wonderful season, the summer, when we will have hot long journeys, parties, we will attend the beach and most important we will welcome all the relatives that come for the holidays.
The next following days the fruit shops will receive watermelons, delicious strawberries and the so long waited cherries. The stores are already combining orange skirts and rose blouses, the brides will show in April and May their bouquets and their ivory trains, people sometimes confuse will walk in coat on a sunny day or in sandals under the rain, and so we will move forward to the summer when we might be able to forget all the bad news.
In my street there is one of the cherry trees already flowered, in some weeks a light lilac carpet of flowers will adorn the street. Wherever you are, happy spring time!
Cerezo en flor de la Fundación Claude Monet en Giverny. Fotografía propiedad de la Fundación Claude Monet.
Flowered cherry tree at the Claude Monet Foundation at Giverny. This picture is property of the Claude Monet Foundation.

martes, 22 de marzo de 2011

God save the Queen!

Si cierra los ojos y piensa en Londres seguro que le vendrán a la cabeza varias imágenes típicas de las que se utilizan para confeccionar folletos para las agencias de viaje: grandes autobuses de dos pisos, taxis negros, cabinas de teléfono rojas, una bandera inglesa o… puede que salten a su mente imágenes  de crestas multicolores y chaquetas de cuero con tachuelas. La estética punk ha tenido varios revivals siendo uno de los más rentables el de Balmain, más allá de la música de Sex Pistols o Ramones y de las diversas manifestaciones musicales del movimiento en Inglaterra y los Estados Unidos (y de allí al mundo entero hasta hoy en día) lo que me gusta de la corriente punk es la valentía del Hazlo Tu Mismo o Do It Yourself. Deseando romper con todo lo anterior y que la gente literalmente cayera al suelo de susto al contemplarles la estética de los punk se construyó con rotos, parches, recosidos, imperdibles; se produjo una manipulación de todo aquello que formaba parte del universo de sus seguidores, si se trataba de música había que destrozar las voces y los acordes de guitarra hasta hacer del sonido algo “insoportablemente” novedoso, si se trataba de la ropa había que transformar totalmente las chaquetas, los pantalones, las botas, romper, coser, volver a romper y añadir. Si se trataba del cuerpo había que transformar la mirada, el pelo, el colorido natural y soso de los humanos. La forma de vida punk era un continuo cuestionamiento de las “buenas costumbres” desde una postura rebelde. El punk fue como un electro-shock del que algunos nunca se recuperaron, en él se inspiran quienes desean escandalizar de verdad, pues el punk es fundamentalmente agresivo.
Aunque a nivel musical prefiero los grupos que estuvieron en los márgenes del movimiento punk, (músicos talentosos que precedieron o influyeron en el movimiento pero trascendiéndolo como Iggy Pop o David Bowie; o grupos que surgieron de forma paralela creando un sonido personal como Joy Division) su espíritu transgresor y su inconformismo son enseñanzas que necesitamos rescatar cada cierto tiempo.


                         

*If you close your eyes and think about London you might “see” those typical images used for travel agencies brochures: big double-deckers buses, black cabs, red telephone boxes, the English flag or…it might be possible that images of colorful Mohawk style haircut or studded leather jackets come to your mind. Punk aesthetic has had many revivals the last and very successful one produced by Balmain, beyond the music of Sex Pistols or Ramones and the different ways to create music both in England and USA (and from there to the rest of the world even nowadays) what I like from the punk movement is the Do It Yourself philosophy. In their intention of breaking with the past and shocking people punk aesthetic was built with patches, ripped shirts or safety pins, all the followers needed to transforms all the elements of their lives; music was distorted until making it “unbearable” and new, clothes were destroyed and re-sewed. Bodies were manipulated too, it was necessary to change the natural boring human colors. Punk way of life was a rebellious questioning of the accepted social schemes. Punk was an electro-shock from which some could never recover; punk inspires people that really wish to offend others using one of the main characteristics of the movement, its rage.
Even though when it comes to music I prefer the groups on the outskirts of punk (talented musicians that influenced it or were before it like Iggy Pop or David Bowie; groups that grew alongside the movement with a personal sound like Joy Division) the subversive spirit of punk is something we need to rescue from time to time.


Imágenes: Como esto no es un post sobre el Punk en sí sino sobre la esencia del Punk no hay pues las típicas imágenes de las crestas y los imperdibles. Las imágenes por orden son: portada del God Save the Queen de los Sex Pistols canción de 1977, la cantante Patti Smith y el fotógrafo Robert Mapplethorpe fotografiados por él mismo, tenían una actitud irreverente en estado puro, la diseñadora inglesa Vivienne Westwood artífice del éxito de la estética punk, dos diseños de Balmain quien ha revisitado los años 80 recuperando elementos punk, la versión "dulce" del punk dio origen a cantantes como Blondie y finalmente una contradicción o quizás no Carolina Herrera la gran dama del diseño fotografiada por Robert Mapplethorpe en actitud ¿punk?.

Pictures: As this is not a post about punk but about punk phylosophy I have not used the iconic punk images. Pictures are: cover of the famous Sex Pistols single of 1977 "God save the Queen", singer Patti Smith with photographer Robert Mapplethorpe photographed by himself, pure punk attitude; the English designer Vivienne Westwood that made of punk a fashion success, two designs by Balmain who has rescued some punk ideas, the "sweet" version of punk could be Blondie and at the end a contradiction (maybe not) Carolina Herrera the elegant fashion designer photographed by Robert Mapplethorpe in a punk/rebel? attitude.

lunes, 21 de marzo de 2011

De lo que trata El Padrino



No pretendo hacer una crítica profunda de un libro El Padrino de Mario Puzo y una trilogía de películas El Padrino I, II y III de Francis Ford Coppola de los que mucho se ha escrito y dicho (en especial de las películas), seguro que lo que tengo que decir no es original ni sorprende pero aunque me acerqué al libro por curiosidad sobre el mundo de la mafia y alentada por ese prometedor prefacio de Balzac que dice: "Detrás de cada gran fortuna hay un crimen" El Padrino la novela y la trilogía de películas (fundamentalmente la II) tratan de la familia.

De la Familia con mayúsculas, de la que te toca, de la que construyes eligiendo amigos o parejas, teniendo hijos. De la familia por la que Vito Corleone se ve desterrado de Sicilia, de la familia por la que un humilde emigrante firma un pacto a ciegas sin saber lo que le va a costar, de la familia adoptiva a la que Thomas Hagen protege fielmente, de la familia que arrastra a Michael Corleone a la vida que no quería. La misma familia que come pasta unida, pelea, ama, sufre y acaba muriendo por error mientras suenan las notas de la Cavalleria Rusticana.

Para mi tanto en el cine como en la novela uno de los mejores momentos es la muerte de Sonny y el reclamo a Bonasera para que pague el favor que un día le hizo El Padrino, un favor muy simple con el fin de aliviar un poco el dolor de su familia. Vean otra vez el Padrino II, en los ojos de Vito-Robert de Niro se adivina la venganza cuando contempla a su pequeño enfermo de neumonía sobre una triste mesa de cocina. En ese momento Vito se transforma en El Padrino y nosotros estamos de su parte.

¿Cómo hacer que un mafioso sea uno de los personajes más hermosos del cine moderno? Supongo que es el poder del arte que retrata en el Padrino fundamentalmente a un hombre y su amor incondicional por los suyos, a un ser aparte de sus negocios, las conspiraciones y las balas que sigue unos determinados códigos podríamos decir de honor.

Transcribo una receta siciliana facilitada por una buena amiga italiana para que degusten en familia (o para que inviten a sus enemigos, ya se sabe que las comidas pueden ser también peligrosas).

Pasta con le sarde
Ingredientes para 4 personas:
400 gramos de espaguetis mejor bucatini
300 gramos de sardinas
150 gramos de hinojo selvático
Una cucharada de piñones
Una cucharada de pasas
4 anchoas
1 diente de ajo
Cebolla
1 bolsita de azafrán
Aceite
Sal
Pimienta
Harina
Pan rallado

Preparación:
Rebozar las sardinas después de haberlas limpiado (quitar las espinas y la cabeza). Freír las sardinas.
Hervir el hinojo en abundante agua. Una vez cocido cortarlo y triturarlo. Picar la cebolla y sofreírla en aceite, añadir el hinojo y las anchoas trituradas, el ajo, los piñones, las pasas y el azafrán. Cocer durante unos 10 -15 minutos. Cocer la pasta al “dente”. Condimentar la pasta con la salsa. Espolvorear con pan rallado.
P.D. Acompañar con la formidable banda sonora de las películas de El Padrino.

Las "familias" de El Padrino I y II, con Vito Corleone de joven y como "Padrino".
The Godfather´s "families", with a young Vito Corleone and then as a "godfather".


*I do not pretend to write a serious critic about The Godfather (the book by Mario Puzo and the film trilogy by Francis Ford Coppola); works of art analyzed by a lot of critics, what I am going to write is surely not very original, I started to read the book curious about the mafia world and attracted by that promising preface of Balzac that says “Behind every big fortune there is a crime”. The Godfather the novel and the three films (essentially The Godfather II) are about the family. The family that destiny provides, the family you create by choosing your friends and couple, by giving birth to your children. The family that causes Vito Corleone´s exile from Sicily, the family for which a humble immigrant concede a favor without caring for the nature of it, the adopted family that Tom Hagen protected loyally all his life, the family that pushed Michael Corleone to a life he did not wanted. The same family that eats pasta together, that loves, fights and dies by mistake while the notes of Cavalleria Rusticana sound. 
One of the best moments in the film as well as in the novel is after Sonny´s death when The Godfather claims Bonasera to pay his favor back, a simply favor with the only intention of mitigating the pain of his family. See again The Godfather II; see the light of vengeance in young Vito´s (Robert de Niro) eyes while contemplating his baby son suffering from pneumonia over a poor kitchen table. In that particular moment Vito transforms himself into the Godfather and we are totally on his side.
How can a gangster being one of the most beautiful characters of modern cinema? Is the power of art that has created a Godfather that is mainly a man that loves his family, a man apart from his twisted business, the conspiracies, and the bullets with his own ethic code.
I have copied a Sicilian recipe that a good Italian friend has discovered to me, enjoy it with your family (or invite your enemies instead, we all know meals can be very dangerous sometimes):

Pasta con le Sarde
Ingredients for 4 persons:
14/15 ounce of spaghettis or better if you use bucatini
10.5/11 ounce of sardines
5 ounce of fennel
One spoon of pine nuts
One spoon of raisins
4 anchovies
1 clove of garlic
Onion
1 little package of saffron
Olive oil
Salt
Pepper
Flour
Breadcrumbs

Directions:
Clean the sardines, remove the heads, coat them in breadcrumbs and fry.
Boil the fennel in a lot of water, once cooked cut and crush it. Cut the onion and fry in olive oil, add the anchovies (crushed), the fennel, the garlic, the pine nuts, the raisins and the saffron. Cook for 10-15 minutes. Cook the pasta “al dente”. Add the sauce to the pasta and a pinch of breadcrumbs.
P.S. Accompany with the incredible soundtrack of The Godfather films.

El mejor "Padrino", el actor Marlon Brando en El Padrino I como Vito Corleone.
Best "Godfather" ever, actor Marlon Brando as Vito Corleone in The Godfather I.
El atormentado Michael Corleone interpretado por Al Pacino.
Tortured Michael Corleone played by actor Al Pacino.

jueves, 10 de marzo de 2011

Ariel

Hace tan sólo unos días he incursionado en la obra de la poetisa Sylvia Plath, con una de sus mejores obras (al parecer de la crítica), Ariel, una colección de poemas recopilados por su marido, publicados póstumamente en 1965.
La colección de poemas de Ariel están formados a partir de imágenes muy potentes, descarnadas, a veces violentas y ricamente descriptivas, se enumeran colores, sensaciones táctiles, visiones. Reaparece una y otra vez la sangre, también partes del cuerpo nombradas aquí y allá, dispersas como si se aludiera a la mutilación, también aparece el mar y la sal. La sal del mar, de las lágrimas, la sal simplemente. Hay mucha ironía y escenas que muestran a una mujer atrapada en la contemplación de la banalidad de las tareas domésticas al mismo tiempo que forma imágenes con un lenguaje culto. En Ariel no hay, quizás me influya el hecho de que sabía que la autora se había suicidado poco después de escribir los poemas, esperanza alguna, no hay alegría, no hay dulzura. Los poemas son de una gran dureza, hay un enfrentamiento continuo a la realidad sin compasión, aparece varias veces de forma abierta o camuflada la mujer casada que está perdida para siempre, que sella su vida a cambio de una falsa historia de amor. El dolor está por sobre todo el libro y leerlo te produce la inquietud de imaginar lo que sentía su autora cuando traducía en palabras sus tormentas personales, que son las de todos.
Transcribo algunos versos de los poemas de Ariel, según la traducción realizada para la edición bilingüe de la editorial Hiperión por Ramón Buenaventura, (al final de la entrada el original en inglés):
¿Un anillo de oro y, dentro, el sol?
Mentiras. Mentiras y un pesar.
Escarcha en una hoja. El impoluto
caldero, que charla y que cruje
para sí en lo alto de cada
uno de los nueve negros Alpes.
Una inquietud por los espejos,
el mar que hace añicos el suyo gris…
Amor, amor: mi estación.
Extracto de “Los Mensajeros”.

Viene con garantía
de cerrarte los ojos al final
y disolverse de dolor.
Sacamos caldo nuevo de la sal.
Observo que estás desnudo:
¿qué tal este traje?
Negro y tieso, pero no sienta mal.
¿Te casarás con él?
Es impermeable, irrompible, a prueba
de fuego y de bombas que hundan los tejados.
Créeme: te enterrarán con él.
Extracto de “El Aspirante”.

Los cometas
Tienen tanto espacio que recorrer,
tanta frialdad, tanto olvido.
Así se pulverizan tus gestos:
cálidos y humanos; luego su luz rosada
que sangra y se desuella
al pasar por las negras amnesias del cielo.
Extracto de “Los Bailes Nocturnos”

El invierno es para las mujeres:
la mujer quieta con su labor de punto,
junto a la cuna de nogal español, con el cuerpo como un bulbo expuesto al frío y demasiado
atontada para pensar.
¿Sobrevivirá la colmena? ¿Lograrán los gladiolos
ahorrar lo suficiente de sus fuegos
para llegar al año próximo?
¿A qué sabrán los eléboros negros?
Las abejas están volando. Notan el sabor de la primavera.
Extracto de “Invernando” que forma colección con otros dedicados a las abejas, muy gráficos, después leí que Sylvia Plath había tenido una colmena.

Una boca recién desangrada.
¡Como pequeñas faldas ensangrentadas!
Hay emanaciones que no alcanzo a tocar.
¿Dónde están vuestros opiatos y vuestras cápsulas que
producen náuseas?
¡Si pudiera sangrar o dormir!
¡Si mi boca pudiera desposarse con semejante herida!
O se filtraran vuestros licores hasta mi cápsula de cristal,
para dejarme abotagada y quieta.
Sin color, sin embargo. Sin color.
Extracto de “Amapolas en Julio”.
*Just recently I have explored poet Sylvia Plath work. I started by reading Ariel her best work (so the critics say), a compilation of poems posthumously published by her husband in 1965.
Ariel is composed by a collection of poems full of strong images, vivid descriptions, some of them violent, stark. She enumerates colors, tactile sensations, visions. Blood is present in many poems as well as different human body parts drop here and there as in a reference to mutilation, there are also mentioned the sea and the salt. Salt of the sea, of teardrops, just the salt. There is a lot of irony and some scenes show a woman trap into the contemplation of the domestic routine while creating phrases with a cult language. In Ariel, maybe influenced by the fact that I knew that Plath has killed herself shortly after writing these poems, I feel there is no place for hope. There is no joy, no sweetness. Poems are hard, they face reality without compassion, there is an openly or subtly repeat image, the marriage woman lost forever, the woman that gives the rest of her life in exchange of a false love story. The pain is all around the poems, the reader can feel some concern imaging the feelings that the author experimented while translating her troubles to words, troubles that we can ourselves experiment.
I have copied some fragments of some Ariel poems:
A ring of gold with the sun in it?
Lies. Lies and a grief.
Frost on a leaf, the immaculate
Cauldron, talking and crackling
All to itself on the top of each
Of nine black Alps.
A disturbance in mirrors,
The sea shattering its grey one—
Love, love, my season.
Fragment of “The Couriers”.
It is guaranteed
To thumb shut your eyes at the end
And dissolve of sorrow.
We make new stock from the salt.
I notice you are stark naked.
How about this suit—
Black and stiff, but not a bad fit.
Will you marry it?
It is waterproof, shatterproof, proof
Against fire and bombs through the roof
Believe me, they´ll bury you in it.
Fragment of “The Applicant”.
The comets
Have such a space to cross,
Such coldness, forgetfulness.
So your gestures flake off—
Warm and human, then their pink light
Bleeding and peeling
Through the black amnesias of heaven.
Fragment of  “The Night Dances”.
Winter is for women—
The woman, still at her knitting,
At the cradle of Spanish walnut,
Her body a bulb in the cold and too dumb to think.
Will the hive survive, will the gladiolas
Succeed in banking their fires
To enter another year?
What will they taste of, the Christmas roses?
The bees are flying. They taste the spring.
Fragment of  “Wintering”.
“Wintering” forms a group with other poems related with bees, the descriptions on these poems are really vivid, then I´ve read that Sylvia Plath had a beehive.

A mouth just bloodied.
Little bloody skirts!
There are fumes I cannot touch
Where are your opiates, your nauseous capsules?
If I could bleed or sleep!—
If my mouth could marry a hurt like that!
Or your liquors seep to me, in this glass capsule,
Dulling and stilling.
But colourless. Colourless.
Fragment of “Poppies in July”.


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