jueves, 30 de junio de 2011

Never Let Me Go






Nunca me Abandones es el título en español que ha recibido la película dirigida por Mark Romanek basada en la obra del escritor británico-japonés Kazuo Ishiguro, no he leído nada de este escritor así que sobre la novela no puedo decir nada, no he leído ni siquiera Lo que queda del día cuya adaptación cinematográfica me gustó mucho.
Never Let Me Go es una película profundamente triste y que al terminar te deja precisamente eso, una profunda sensación de tristeza, no hay en el argumento, en las imágenes ni un solo momento de felicidad, de esperanza, al final una soledad inmensa y una frase que expresa la resignación total hacia lo inevitable, ese fatalismo es tan diferente por ejemplo de las tragedias griegas, en ellas sus personajes también fatalmente encontrarán su destino y se cumplirán sobre ellos los designios de los dioses, pero los hombres tercos y rebeldes por naturaleza buscan de cualquier forma burlarlos, en este caso no es así en absoluto y supongo que eso tendrá que ver con la personalidad de cada uno pero estuve esperando a lo largo de la historia algún momento de rebeldía, alguna lucha en pos de la pasión y del amor, simplemente no sucede. Los personajes de la película casi deberían tener prohibido tener sentimientos ya que no les servirá de nada imaginar, soñar, esperar o amar pues su vida tiene una función específica y fuera de ella no hay nada, sólo una espera más o menos larga hasta que se cumpla el destino.
Los colores de la película son desvaídos, los escenarios desolados y otoñales, el vestuario indefinido, como de una época que no avanza nunca. Los edificios grandes de hormigón con ventanas que se repiten cien veces o pequeñas casas de estilo victoriano todas iguales, sin detalles humanos en ellas, todo es extraño, frío, inútil. La película se centra en tres personajes, Kathy interpretado por Carey Mulligan, Ruth por Keira Knightley y Tommy interpretado por Andrew Garfield, de los cuales uno solo intentará diferir algo su final pero de una forma egoísta y mezquina que se contrapone con la honestidad de los otros dos personajes que aceptan con sumisión su separación.
Los seres humanos, puesto que los tres personajes de la película son réplicas o clones, no aparecen en realidad, es decir no hay humanos cuyos sentimientos interactúen o se comparen con los de los clones, sólo hay pequeñas escenas, cortos diálogos y sobre todo visiones fugaces de manos que cosen, proporcionan oxígeno, tapan rostros pero no hay una mínima empatía por los clones, el pequeño boceto que hace la historia de los humanos que no se plantean ningún problema ético al utilizar réplicas de sí mismos para satisfacer sus necesidades médicas en caso de enfermedad es curioso, odioso. No hay pues ningún conflicto moral, no hay tampoco la posibilidad de una amistad, de una consideración más allá de la lástima, la réplicas son despojadas de toda posible humanización y se las considera como un medio jamás como un fin en sí mismas.
El mensaje de la película quizás no sea el plantear una cuestión moral sino mostrar los interrogantes de la vida su finalidad, su causa y sobre todo cómo terminará la de cada uno, la gran diferencia estriba en que con nuestras vidas largas o cortas podemos en cierta medida tratar de burlar las circunstancias y construir nuestro destino, al menos nos es dado intentarlo, en Never Let Me Go las réplicas tienen un corazón, juventud, inteligencia, belleza y salud pero no tienen derecho a intentar hacer con sus vidas otra cosa que servir a los intereses de otros, así que aunque la pretensión haya sido contarnos que los clones son metáforas de nosotros mismos para mi la cuestión ética sigue estando sin resolver, sigo preguntándome ¿por qué no saltan la valla? ¿por qué no se rebelan?
Preciosa banda sonora, excelentes actuaciones y una desolación final que no me permite decir que me haya gustado exactamente la película, aún así reconozco que está bien hecha y que es una historia que al menos te hace pensar.





*Never Let Me Go directed by Mark Romanek is based on the novel of britain-japanese writer Kazuo Ishiguro, I have not read the novel hence I cannot say anything about it, I have not read anything from this writer not even The Remains of the Day even though I have liked the cinema adaptation a lot.
The movie is deeply sad and once it is finished sadness invades you, there is no place in the argument or in the images for happiness, at the end there is just loneliness and a resignation to the inevitable circumstances. Such resignation is so different from the Greek tragedies, in them the human characters fight trying to escape from their destinies despite the fact that the wishes of the Gods are always accomplished, but at least humans try, they are rebel, they dream. The characters of the film have an specific duty and outside that there is nothing, they should not have the capacity to love, to expect something as there is nothing they can do apart from waiting, and indeed they don´t try to change things.
The colors of the movie are fade, the landscapes devastated and autumnal, the fashion undefined as from a time that is paralyzed. The buildings in concrete with thousands windows that are all the same, the Victorian style houses, all identical, without human details, all is strange, hostile, useless. The film is focused on the stories of three characters, Kathy played by Carey Mulligan, Ruth played by Keira Knightley and Tommy played by Andrew Garfield; among them just one will try to escape from the terrible destiny but in such a miserable and selfish way that will evidence more the honesty of the other two, who accept their separation.
Human beings are not shown in this story, the characters are copies or clones, no human being really gets involve with them or has a long dialogue or express deep thoughts, we just see a glimpse of humans feelings by short conversations, some phrases, we just see humans hands that sew, give oxygen, cover faces. There is no possible friendship or compassion from humans towards the clones, they are considered as mediums not as beings.
Maybe is not the purpose of the film to make a moral question and show instead what we all feel about our own existences, we ignore the objective, the end, the cause of our lives, the difference though is we can try to modify the circumstances, we can build our destinies, we have at least the possibility to try, the clones have feelings, beauty, youth, health and a heart but they are not able to live otherwise, therefore even if the idea was to show us that we can be like those clones the ethic question for me remains unsolved, why they do not try to jump the fence? Why they do not rebel themselves?
Beautiful soundtrack, excellent performances and a final devastation that prevents myself from saying I like the movie, I am not sure, still I recognize it is well done and makes you think.


martes, 28 de junio de 2011

Pacific Palisades




Debido al calor agobiante de estos días que nos hace añorar (qué incoherencia) cierto viento frío del otoño he empezado a pensar en cierta isla de playas hermosas, en las casas que tienen piscinas, en las maravillosas casas californianas de los años cincuenta y sesenta, asomándose desde las laderas hacia el infinito, he recordado las casas de Richard Neutra e imaginando la casa que a mi me gustaría he recordado la de Charles Eames y Ray Kayser mejor conocidos como los Eames, los arquitectos-diseñadores que cambiaron la forma de entender la decoración.
La famosa casa de los Eames se diseñó con ayuda del arquitecto Eero Saarinen, autor entre otras obras de la sugestiva terminal TWT del aeropuerto John F. Kennedy de Nueva York; se encuentra en Pacific Palisades, California y fue construida entre 1945 y 1949. La planta es alargada siguiendo la racionalidad de los planteamientos de Frank Lloyd Wright o de Mies van der Rohe, pero la fachada acristalada tiene puntos de color, algunos cristales han sido sustituidos por divertidos paneles blancos, azules o rojos, en un juego que recuerda al movimiento De Stijl que en la década de los veinte imprimió a la racionalidad la fuerza del color, en el caso de la casa de los Eames el uso del mismo es más espontáneo, más divertido. Pequeños helechos crecen al pie de la fachada y los árboles se multiplican en el exterior de la casa, esto contribuye a restarle seriedad y a que nos parezca cálida, aunque no supiéramos que además la vistas de la casa se extienden sobre bellos acantilados. En el interior es donde se encuentra todo lo que fue, aplicada al diseño, la filosofía de Charles y Ray Eames, colores vivos, espacios abiertos, muebles sencillos, mezcla de materiales nobles y otros más humildes como el plástico o el papel y una apertura hacia el exterior, un interés por lo nuevo.
En esta casa hay espacio para pequeños cojines en el suelo, recuerdos personales probablemente de algún viaje, montones de libros y muebles que hoy son copiados y homenajeados, porque son cómodos, porque no son pretenciosos, porque muestran el sentido del humor de quien los ideó y seguramente también de quien los posee. La casa es netamente una estructura industrial por cuanto es de acero, la idea era que su construcción fuese rápida, moderna y económica pues fue una de las muestras para el proyecto Case Studies cuyo fin era buscar propuestas de viviendas para la clase media pero con cierta personalidad y comodidad, el tejado es como el de cualquier nave industrial y sin embargo nadie podría decir que se trata de un espacio frío o impersonal. A algunas personas el hecho de vivir en una casa prefabricada o con un mínimo componente industrial les horroriza, por mi parte la casa en la que viví mis primeros años es prefabricada, aunque ya no vivimos en ella sigue en pie en perfectas condiciones y también como la de los Eames estaba llena de esos detalles domésticos que hacen de una casa un hogar.
Sin duda no me importaría en absoluto contar con una de las Wire Chair de los Eames, son curiosas sus patas como de pájaro, o con una de sus sillas del Plastic Group o por qué no con La Chaise, con ese intrigante agujero que no se sabe muy bien si es para que puedas meter la mano en caso de que se te caiga algo o para acomodar un divertido cojín en color chillón, los materiales de estas sillas son el plástico y el aluminio pese a sus modestos materiales son hermosas y acogedoras, siendo diseños considerados ya como clásicos no han perdido la gracia con la que fueron concebidos, esa alegría que creo que hasta los que las compran por presumir tienen que sentir.








*Because of the intense heat we are suffering these days in Spain (we even miss the cold wind of the autumn) I have been thinking about certain island that I love, then I started thinking in those fortunate who have a pool in their houses and that made me think about the beautiful Californian houses of the 50´s and the 60´s, the Richard Neutra incredible houses, and thinking how I would like my own house to be in case I could have one in California I instantly remembered the house of Charles Eames and Ray Kaiser, better known as the Eames.
The famous Eames´s house was designed with the help of the architect Eero Saarinen, among other interesting works he is the author of the suggestive TWT terminal at the John F. Kennedy airport in New York. The Eames house has been built between 1945 and 1949 in Pacific Palisades in California. The plan is elongate and rational as the Frank Lloyd Wright or Mies van der Rohe houses but in the façade some  glasses has been replaced by colored panels, in red, white or blue, remembering the houses of the De Stijl, the architectural movement which during the twenties used touch of colors in rational spaces, in the Eames house the use of color is emotional, spontaneous. Little ferns grow on the side of the façade and big trees are found in the front garden, these elements made the house warmer and less rigid, event if we ignore that the houses views are the nearby cliffs. Inside the house the true Eames philosophy of life is developed, bright colors, simple furniture, mix of rich material and modest ones as paper or plastic, an open house, a curiosity for all that was modern.
In this house there is space for cushions on the floor, a lot of books, little souvenirs and furniture designed by the Eames nowadays copied and admired, the designers pay tribute to them because they are comfortable, they are not arrogant and show a sense of humor maybe not only of those who designed them but also of the ones who buy them. The house is basically an industrial construction, made of steel, as part of the Case Studies project it should be modern, economic and easy to build because the idea was to provide the middle classes with comfortable and original houses, the roof is like the ones of the warehouses and yet nobody could dare say this is a cold, impersonal space. Some people find disgusting to live in a prefabricated house or in a industrial place, my own experience has been good, I spent my first years with my parents in a prefabricated house and like the Eames house it was full of little personal details that made our lives pleasant.
Without doubt I would no mind to own one of the Wire Chair of the Eames, with those legs similar to the ones of the birds, or I would not mind to have one of the Plastic Chairs or La Chaise with that curious hole which I don´t fully understand, is it place so we can introduce our arm to pick something from the floor or is an invitation to add a colorful cushion?; these chairs are made of plastic and aluminum, they are cute and cozy, even thought they are considered already as classics they are full of joy, a joy I believe that even the people who buys them just for impress others have to feel.



jueves, 23 de junio de 2011

Tipografías







La tipografía es  según el diccionario imprenta o arte de imprimir, imprimir es marcar en papel o en otras materias letras o caracteres. Estamos habituados a los tipos de letra característicos del cartón de leche con el que desayunamos, del nombre sobre el frasco de cristal de nuestro perfume, aquellos que forman los caracteres del periódico que solemos leer, el tipo de letra que cada uno utiliza en sus e-mails o en los documentos en el trabajo. Nuestra letra manuscrita nos es reconocible aunque al escribir cada vez menos se transforme con el tiempo y llegue incluso a sorprendernos, nuestra firma se repite en mil papeles y se multiplica sobre cualquier factura para pasar el rato en las esperas de las llamadas telefónicas.
El trabajo de muchos diseñadores está detrás de los carteles que nos anuncian conciertos, exposiciones, ofertas, películas. Cuando se inician los títulos de crédito estás ya introduciéndote en el mundo particular del director que gracias al trabajo de un diseñador puede desvelarse para el espectador desde los primeros segundos de proyección. Una letra que nos espanta, unas imágenes mal combinadas, nos alejan de cualquier cartel, por el contrario los colores atractivos, a veces cierta forma enigmática de mostrar imágenes y letras nos harán preguntarnos qué quiere decir un poster, ¿nos está anunciando una película, una nueva tienda, un viaje, un coche?; cualquiera conoce el poder de sugestión de un buen logo, un color elegante, un tipo de letra, un fondo apropiado. Las banderas no son más que reclamos publicitarios de los países y a través de ellas encontramos una primera definición de éstos y su historia, los colores vibrantes de las repúblicas africanas en las que muchas veces se encuentra el amarillo y el verde, la bandera blanca con centro rojo de Japón simple y potente, el rojo, el blanco y el azul de las grandes enemigas medievales Francia e Inglaterra reproducidas en sus antiguas colonias, en Venezuela se aprende desde niños que el amarillo simboliza la riqueza de su tierra, el azul su extensa costa, el rojo la sangre vertida por los libertadores y las estrellas representan las primeras regiones que se independizaron. España tiene su propia historia curiosa con su bandera que por un breve tiempo fue roja, amarilla y morada cambiando a roja, amarilla y roja, siendo el rojo el color por excelencia del país.
Los libros, los discos, los formularios, las tarjetas de presentación, todo posee un tipo de letra que se nos aparece como original, anodino, raro, aburrido, elegante. Nuestras letras han sido modeladas desde los cuadernos de caligrafía de la infancia para irse transformando en un reflejo de nuestra personalidad, sin embargo encuentro una cierta similitud en la caligrafía de determinadas personas con edades parecidas o que han estudiado en el mismo colegio o bien que son de un mismo país, en las letras de los zurdos, en las letras de los hombres y en el de las mujeres, algo hay en el proceso de aprendizaje que nos asemeja y a la vez nos diferencia.
Un trabajo de diseño bien hecho puede hacer de nuestras vidas en ocasiones algo más bonito y exaltante. Una foto, una frase, un tipo de letra que te hace pensar o que se te queda grabada por varios años. El simple trazo de una caligrafía china, el color chillón de una camiseta deportiva, los envoltorios morados o dorados de los chocolates sabrosos, las letras manuscritas de algún amigo querido de cuya letra desastrosa de colegio nos acordamos, todo eso es diseño y puede sernos muy valioso.
Los artistas de las vanguardias históricas fueron quienes de forma menos prejuiciosa mezclaron arte y diseño, una misma visión del mundo sólo que adaptada a necesidades comerciales, el Pop Art hizo de lo comercial arte en una superación del dadaísmo, en la actualidad hay anuncios, series de televisión, carteles de festivales de cine o música que son más interesantes que algunas obras expuestas en museos. Si todo lo que hace el hombre es cultura, nuestros anuncios reflejan nuestra forma de ver el mundo y nuestra letra dice mucho de nosotros. No dejen de escribir a mano.



















*Typography is according to the dictionary the art and technique of arranging type, we are use to the typeface on the milk brick we drink every morning, to the typeface of the name over the perfume bottle, the typeface of the newspaper we like to read, the type of font we use on our e-mails or in the documents for our jobs. Our own type of letter is familiar to us even though after a while without writing can be transformed or can surprise us. Our signature is usually repeated on a lot of papers specially we repeat it over old bills while we are trying to communicate in endless phone calls.
The work of a lot of designers is behind the posters announcing concerts, exhibitions, movies, when the credits stars you are being introduce into the director´s universe thanks to the comprehension of the designer who translates that universe to the audience. A bad combination of images or colors will make us hate a poster on the contrary attractive colors, suggestive images will make us stop and guess, what are they trying to tell me, are they selling a car, a trip, announcing a movie, a record? Everybody knows the power of an effective logo, of a beautiful color, a proper background, an elegant typeface. Flags are the countries adds, they define part of their history and culture, the vibrant yellow and greens of the African republics, the blue, white and red of the medieval time enemies England and France, inherited by their former colonies. I was taught that Venezuela´s flag colors have a meaning, the yellow symbolize the richness of the country, the blue the long coasts and the red the blood shed by our liberators. Spain has a curious flag story, in the thirties during the republican period the flag was red, yellow and purple, nowadays it is red, yellow and red being red the Spanish color.
Books, records, presentation card, forms, all these have its own typeface some elegant, some original, some anonymous, some boring. Our handwriting has been trained since we are kids copying the calligraphy books, then they have evolved to something more personal and yet I find similarities between the writing of the people who attended the same school, who have the same age, who are from the same country, who have the same sex, something in the learning process make us alike and also difference us.
A good design job can make our lives better, a phrase, a picture, a font can make you think or make you remember it through the years. The simple draw of the Chinese calligraphy, the bright colors of a t-shirt, the delicious chocolate wrappings, the disastrous handwriting of a old friend, all that can be design and very valuable for us.
The artist of the historical vanguards were the first ones to mix art and design, adapting their artistic expression to commercial needs, after all everything we do has a touch of our personality with disregard of the intention, Pop Art made art from publicity following dada codes, nowadays some adds, cinema or music festival posters, TV series are more interesting than some works of art exhibited on museums. If all that we do is part of the culture our adds shows how we understand the world and our handwriting shows how we are. Please do not stop handwriting.  

















martes, 21 de junio de 2011

Anastasias y sal



Como si fuera el día del cumpleaños de la Señora Dalloway su primer destino sería la floristería, donde compraría un ramo, como siempre de flores blancas, esta vez un ramo más grande de lo habitual, anastasias hermosas rodeadas de ramitas verdes. El día era muy caluroso, el primero del verano, se decidió a comprar más flores de lo habitual para poder repartirlas por varios rincones de su casa, eso haría que el aire se sintiera más fresco. A las clientas les gustaba ver flores u objetos nuevos en el taller cuando iban a visitarla, el taller era su espacio de trabajo de la mañana a la noche, pequeño, pulcro, ordenado, las telas y gasas cuidadosamente envueltas, una mesa de madera elegante, buena iluminación, metros, hilos, agujas, una discreta máquina de coser. El verano era la peor época del año, días de sol interminable, calor pegajoso en las tardes mientras cortaba y cosía, encargos interminables para bodas, hasta Septiembre, mes en el que podría respirar el aire fresco de las noches, volver a ocultarse bajo la mantas para ver una película y menos bodas, muchas menos clientas pidiendo cosas estrafalarias señalando recortes de revistas. Se detuvo unos segundos a mirar los folletos en una agencia de viajes, todo el mundo parecía huir en Agosto y la ciudad quedaba ahogada bajo el peso del aire caliente y el aburrimiento. Atravesando la calle con destino a la floristería se acordó de los veranos en la playa cuando era niña, nada que hacer de la mañana a la noche, comidas interminables, el sabor a sal del aire. Su marido estaba convencido de que no hacía falta viajar para disfrutar, siempre comentaban lo bien que estaban en casa mientras los demás iban de viaje a esos países tan extraños donde cualquier cosa desagradable te puede ocurrir. Entró en la floristería, compró el gran ramo, las flores tenían pequeñas gotas de agua en sus pétalos, olían muy bien, cargada con ellas se sintió sin embargo muy ligera, como si no sólo empezara el verano sino verdaderamente un período de vacaciones. ¿Qué haría ella en un mes entero de vacaciones?, pasear, comprar pasteles, ver películas, salir con las amigas, lo que hacía más o menos todo el año. Se acordó de Caramel ¿se estaba convirtiendo en el personaje de la modista, sola y con una hermana chiflada? Al menos ella no tenía hermana, pasaba los veranos como una época de penitencia, abrasada entre las telas, abrumada por las conversaciones de las madrinas, invitadas, amigas, cuñadas y sobre todo por las de las novias, hacía tiempo que evitaba a toda costa tener que hacer un traje de novia, le parecían ridículos, llevaban mucho trabajo y ella cada vez más deseaba hacer vestidos de cortes limpios con una buena tela y nada más. Hoy tenía esa sensación incómoda, esa que tienes cuando quieres quedarte encerrado en ti mismo, parar el mundo al menos unas horas y no hacer nada, o hacerlo todo. Esa mañana venía una novia a recoger un vestido, palabra de honor, algo de chantilly, cursi, bien hecho, cuando llegó a su casa dejó las flores empaquetadas sobre la mesa de la entrada, rebuscó en su escritorio, tarjetas, números de teléfono, anotaciones para pedidos, una de las clientas para la que había cosido hacía poco le había pedido que fuera por ella a comprar telas en la India, Tailandia, Turquía, Marruecos, ya sabes esos países tan exóticos. La llamó sin pensarlo mucho, su primer destino sería Egipto, pensó en las pirámides tal como aparecen en las láminas de las revistas de National Geographic.
La novia llegó y al verse reflejada en el espejo su imagen era la de una mujer feliz porque no sabía que se divorciaría dos años después, lo que nunca olvidó fue que la amable costurera, tan callada y meticulosa, le regaló el vestido y un gran ramo de flores blancas, precioso y le dijo: -Tu vestido es el último vestido de novia que hago, te deseo mucha suerte. Apagó las luces, cerró la puerta de su taller, rescató una gran maleta de cuero de la parte superior del armario del pasillo y buscó su pasaporte guardado en una funda de cuero, su pasaporte que siempre mantenía vigente, esperando usarlo.

miércoles, 15 de junio de 2011

Midnight in Paris



No soy una gran conocedora de la obra de Woody Allen, antes al contrario me he ido viendo por casualidad sus películas, de forma desordenada y fortuita, en general me han gustado y algunas las he visto varias veces. Me han acompañado incluso en viajes por avión así que las casualidades con Allen han sido frecuentes, en las sesiones diurnas de los cines de París siempre había aquí y allá algún pase de sus películas míticas. Una de las que he visto varias veces y que no forma parte del típico cine de Allen pero que a mi me encanta es Match Point, esta película inauguró su incursión en escenarios europeos en sustitución de su obsesivamente retratado Manhattan, sinceramente sería genial que volviese a rodar en Nueva York. Con Midnight in Paris, pasa de Londres, Barcelona y demás escenarios extraños (a los asturianos no se les puede olvidar ese Parque San Francisco de Oviedo con músicos flamencos, para los que no son españoles una aclaración Asturias es el norte y no cantan flamenco); a París. El inicio de la película para cualquier amante de la ciudad ya vale la pena, son varias “postales” que retratan ese aire que tiene a lo largo del día y que sólo perciben los que viven allí, por la mañana bulliciosa llena de coches, motos, bicis y gente con patines, a mediodía y por las tardes con turistas chocando para tomarse fotos frente a Notre Dame, paseando por Champs Élysées o subiendo al Arc de Triomphe, finalmente al caer la noche los sitios emblemáticos van quedando silenciosos y la tarde cae lentamente sobre una casi vacía Place de la Concorde, la Tour Eiffel se llena de luces y los puentes sobre el Sena, sobre todo ya en la madrugada tienen un aire fantasmagórico. París de noche casi vacía es hermosa, por las mañanas con las boulangeries oliendo a croissant y pain au chocolat es hermosa, por las tardes cuando llueve y está gris en los alrededores de Saint Germain es hermosa y esto es lo que Allen muestra simplemente con unas cuantas tomas.
El personaje principal de la historia (interpretado por el carismático Owen Wilson) es un heredero del Allen de Manhattan, tartamudea, tiene neurosis, es cándido y cree que el arte con mayúsculas le salvará la vida. Sus chaquetas, jerseys, pantalones caqui, es un alter ego de Woody Allen, la historia que nos cuenta la película, un cuento bonito con final feliz en un escenario poético, ¿es la historia de lo que el propio Allen sintió alguna vez o siente cuando se encuentra en París?, seguramente. Porque si disfrutaste leyendo a Scott Fitzgerald, Hemingway o te gusta el período de entreguerras en el cual París “era una fiesta” con Picasso, Buñuel, Dalí, Matisse, Miró, Man Ray, Breton, Josephine Baker y tantos otros, entonces te vas a identificar con esta película, paseando por París ¿quién no se ha sentado en el Café de Flore a pensar que allí estuvieron Sartre y Simone de Beauvoir?, ¿quién no ha observado Notre Dame pensando en el Jorobado de Víctor Hugo? ¿quién no se ha extasiado en el D´Orsay ante los cuadros de Manet, Monet, Van Gogh y las bailarinas de Degas?, ¿quién no se ha atrevido a caminar por el Père Lachaise en busca de las tumbas de Jim Morrison, María Callas, Oscar Wilde?; cada uno busca sus mitos entre las calles de París, bajando desde Montmartre hasta las callejuelas del Barrio Latino. Esto es lo que hace el escritor que protagoniza la historia, en medio de sus aventuras hay bonitas frases en referencia al oficio de escribir o en general de ser artista y una fabulosa Kathy Bates como Gertrude Stein, que habla del vacío de la vida, de la muerte, de la escritura con una soltura increíble. A pesar de ser un cuento bonito como he dicho, es una historia con cierta profundidad, una mirada sobre lo que el arte nos ha dado y nos sigue dando para continuar con nuestras vidas. También una mirada sobre el amor.
Si no conocen París la película les dará la visión exacta de quienes se acercan allí como hacia un templo de peregrinación, cuando yo llevaba algunos meses viviendo allí una persona me dijo que se me notaba que no era de París, eso me ofendió muchísimo y pregunté el por qué y me respondió -porque vas mirando hacia arriba, vas mirando todo el tiempo, pues bien el escritor va mirando París como sólo alguien que sea un rendido admirador la puede ver, así que si no la conoce la verá a través de unos ojos enamorados, si ya la conoce quizás la vuelva a descubrir y tenga ganas de pasear simplemente, de “flâner” entre sus calles perdiéndose y solamente mirando, buscando.
Unas últimas líneas en referencia al vestuario y a la banda sonora. La música es extraordinaria y en su elección se nota el conocimiento y el amor al jazz que profesa el director, en cuanto al vestuario sigo echando de menos la importancia que tuvo en películas como Annie Hall, los personajes americanos se pasean con camisetas de algodón lavado estilo Zadig and Voltaire y bolsos o cinturones Hermès combinados sin ton ni son, pero al menos se reserva para el París mágico un bonito vestuario. Vean la película, descubran París.






*I am not an expert in Woody Allen films, on the contrary I have seen a lot of his films by coincidence yet I have liked most of them and even seen them more than once, even in airplanes or in matinee sessions in Paris´s cinemas, so the coincidences have often occurred. One of those films which I have seen more than once is Match Point, I know that Allen´s fans do not consider this as a real Allen style film, it has opened the “European” period of the director however I do agree that he should work again in Manhattan. From London to some strange places (the people of Asturias, at the north of Spain have not forget that he placed in the film Vicky-Cristina-Barcelona some flamenco musicians in a popular park in Oviedo, Asturias when in fact in Asturias they do not sing flamenco at all) he now portraits Paris. When the film begins Paris lovers are already conquered, Allen shows the city as only people who live there can see it, noisy and in a hurry in the mornings, tourist fighting to take pictures in front of Notre Dame or from the Arc de Triomphe in the afternoons, quiet and silent at dust when the streets are becoming empty like in the corner of the Place de la Concorde, then the Eiffel Tower starts shinning and late at night the bridges over the Seine has a phantasmagoric look. The city is very beautiful when the streets are alone, early in the mornings with the bakeries smelling of croissants and pain au chocolat, and beautiful under the rain in grey days, this is what Allen shows the beauty of the city through some images, postcards of the city.
The main role (played by the always interesting actor Owen Wilson) is an heir of New York  Allen´s characters, he stammers, he is neurotic, kind of naïve and believe the art, the big art will be able to save his life. His khaki pants, sweaters, jackets, he is indeed an alter ego of Woody Allen, the film which is a beautiful tale, is the story of what Allen experiment when he is in Paris?, what he experimented the first time he visited the city? Might be. Because if you enjoy reading Scott Fitzgerald, Hemingway books or you like the Paris period between the two World Wars, when Paris was really “a fête”, with Picasso, Dali, Buñuel, Man Ray, Breton, Josephine Baker and so others you will fully understand the film. Visiting Paris, who hasn´t passed by the Café de Flore, sat down and thought that Sartre and Simone de Beauvoir has been there?, who hasn´t look up to Notre Dame and thought about the hunchback of Victor Hugo?, who hasn´t admired like in a dream the fabulous work of Van Gogh, Degas, Monet or Manet in the incredible Musée D´Orsay? Or even more who hasn´t dare to enter the Père Lachaise just in order to visit the tombs of Jim Morrison, Oscar Wilde or Maria Callas?; everyone search the myths of Paris, from Montmartre down to the streets of the Quartier Latin. This is what the writer of the film does, in the middle of his adventures there are beautiful phrases regarding the condition of being an artist and you will find a fantastic Gertrude Stein played by the fantastic Kathy Bates, she speaks about the nonsense of life, of death, of the work of writing with credibility. The film is a tale yet it has deep reflections about life, art and what art has gave us and it is also a poetic reflection about love.
If you do not know Paris, the film will show how the city is seen by those that visit it like it was the Mecca, when I was living there for already some months someone told me that I didn´t look like the people of Paris, I was very offended I asked why and the person who told me that said – because you are always looking up, you are always looking, searching. It does not matter if you know or not the city, as it is said in French, after seeing the film you will just want to “flâner” by the streets. Searching, looking, seeing everything around.
Some final lines about the clothes and the soundtrack, the music is just amazing and the director shows his love for jazz, about the clothes I miss when this was an important subject as it was in Annie Hall, the Americans in Midnight in Paris are wearing washed cotton shirts style Zadig and Voltaire mixed with some Hermès bags or belts, but…the magical Paris shown in the film is well dressed at least. Go see the film, go discover Paris.



En Midnight in Paris actúan Owen Wilson, Kathy Bates, Rachel McAdams, Alison Pill, Corey Stoll, Tom Hiddleston, Marion Cotillard y Léa Seydoux, en un pequeño pero bonito papel. ¿Por qué no tradujeron el título de la película en España con lo mucho que les gusta traducir e incluso cambiar el sentido del texto?, el doblaje (que lo siento debería estar prohibido) realizado para algunos personajes fue pésimo, porque aunque no me guste el doblaje los hay bien hechos sin embargo este no es el caso.

Midnight in Paris is played by Owen Wilson, Kathy Bates, Rachel McAdams, Alison Pill, Corey Stoll, Tom Hiddleston, Marion Cotillard and Léa Seydoux in a short but beautiful role.

lunes, 13 de junio de 2011

Orquideorama



Hace más de un año cuando buscaba información sobre el Pabellón de España para la Exposición Universal de Bruselas de 1958 me interesé por buscar cubiertas similares, una sucesión de patrones geométricos apoyados en pilares finísimos que le dieron al pabellón un aspecto frágil lo que era lógico en una construcción pensada para un breve período de tiempo, en medio del campo, pero que tendría una gran popularidad precisamente por el acierto de elegir una estructura fácilmente desmontable y que permitió contar con un gran espacio hacia el interior para cumplir con la función expositiva para el que estaba pensada. Creo que la arquitectura moderna en España se inició con construcciones como la de los arquitectos Corrales y Molezún, un espacio ligero que se comunicaba con el exterior y que mostraba una imagen de un país con deseos de abrirse definitivamente al mundo. Buscando pues espacios similares me encontré con el Orquideorama, construido en el año 2006 por los estudios de arquitectura Plan B (Felipe Mesa y Alejandro Bernal) y JPRCR (Camilo Restrepo y J. Paul Restrepo) en conjunto con varios colaboradores, una estructura ideada para el Jardín Botánico de la ciudad de Medellín en Colombia.
Al igual que el espacio pensado por José Antonio Corrales y Ramón Vázquez Molezún en 1958, el Orquideorama se basa en la repetición en la cubierta de hexágonos que van componiendo el espacio, que en este caso es totalmente libre a excepción de los apoyos que a modo de “árboles” permiten la ubicación de jardineras en el suelo, hacia el exterior la estructura tiene la misma forma vista desde arriba que el del Pabellón de España para Bruselas, con la particularidad de que los arquitectos colombianos en vez de unir en diagonal unos hexágonos con otros han creado pequeños centros en torno a los cuales se disponen los mismos en una alusión claramente floral.
Creo que aparte de lo original del espacio, lo airosa que es la construcción a base de pequeños paneles de madera, la iluminación en cada centro para favorecer la contemplación y el crecimiento de las flores y por supuesto la belleza de un lugar prácticamente al aire libre en el que poder contemplar unas flores tan hermosas como las orquídeas, rodeadas de vegetación y no plantadas en pequeñas macetas como solemos hacerlo, el proyecto tiene un significado muy especial porque obviamente no puede separarse a la arquitectura de las ciudades en las que se erige y Medellín no hace falta decirlo ha sido una ciudad en transformación en los últimos diez años. La violencia extrema que caracteriza a muchas ciudades latinoamericanas fue especialmente cruenta en Medellín en la década de los ochenta y noventa, el narcotráfico y también la guerra entre guerrilla y  ejército que se libra en Colombia desde hace más de cuarenta años hicieron de esta ciudad un escenario constante de muertes violentas, pero ¿quién podría pensarlo al pasear por el Orquideorama?
Al igual que al visitar Berlín uno se encuentra con restos del famoso muro que separó tristemente la ciudad y a sus habitantes, con restos de los infames edificios que sirvieron al aparato nazi y también al comunista, como recordatorios silenciosos, aún más denuncias de los tiempos de guerra y tortura, también en varias ciudades como Medellín pero pienso que también en Caracas, Sao Paulo, México Distrito Federal, San Salvador, Lima o Buenos Aires, deberán quedar testimonio en el futuro de los espacios en los que se desarrolló la violencia o de los que fueron los centros de los regímenes dictatoriales, para que nunca se olvide que hubo un tiempo en que la sociedad vivió bajo la tiranía del miedo.
El caso concreto de Medellín es sin embargo diferente y el Orquideorama es un testimonio de esa diferencia, puesto que otras ciudades tienen aún un largo camino que recorrer para desarmar a su población y para recuperar las calles para la ciudadanía, Medellín está enterrando parte de ese pasado y permitiendo que las flores se abran, que los espacios públicos sean verdaderamente públicos y que los ciudadanos no tengan al menos tanto miedo como antes al transitar por sus calles, ir a sus plazas, sus parques, sus bibliotecas, sus teatros. No saben cómo envidio a los habitantes de Medellín, les envidio y les admiro pues el trabajo que han hecho es al fin y al cabo un trabajo de todos, no sólo de sus arquitectos.
El Orquideorama está pensado para expandirse mediante módulos si fuera necesario para que así puedan seguir creciendo las flores en el Jardín Botánico.




*Last year I was investigating about the Pavilion for Spain at the Brussels World´s Fair in 1958, it was an structure based in the repetition of geometric forms forming a roof which rest over thin pillars, it looked fragile yet it was easily transportable and made possible to create a open space inside the pavilion, an space in communication with the wood outside. I do believe this kind of work were the beginning of the modern architecture era in Spain, a country that was really wishing to open itself to the outside world. Corrales and Molezun were the architects of this Pavilion, searching for the influence of their work I have found images of the Orquideorama in the city of Medellin, Colombia. It is a structure made for holding the orchids of the Botanic Garden of the city, built in 2006 by the Colombian studios Plan B (Felipe Mesa and Alejandro Bernal) and JPRCR (Camilo Restrepo and J. Paul Restrepo).
Same as the Spanish Pavilion the Orquideorama is a roof made of hexagons which lay over pillars that are like “trees”, on the floor under the hexagons there are little spaces for the vegetation and the flowers in order to let them receive light and air. The space is open, from the outside both constructions look alike with the peculiarity that in the Orquideorama the hexagons are connected to a central space as if they were the petals of a flower.
Apart from the originality of the structure, the light wood used, the free space between flowers, the possibility of seeing the orchids surrounded by an incredible vegetation and not as we often see them inside ridiculous pots, the Orquideorama is a beautiful quiet place, a symbol of a city that has been transformed in the last decade, from the violence of the 80 and 90´s Medellin has evolved and started to be again a city for their citizens. I think that like Berlin has pieces of the famous wall, buildings of the Nazi past, of the Communist past as a vivid memory of those times of war and fear, same like Berlin, Medellin and other cities were violence or dictatorships has marked the space, as Caracas, Sao Paulo, Mexico DF, San Salvador, Lima or Buenos Aires, should have in the future a memory of the past of violence in order to never forget and repeat those times. However Medellin is different and one of the signs that prove the city is walking towards a better future is the Orquideorama, together with other public buildings, theaters, libraries, squares and parks, creates a city were people walks trough the streets with less fear than before.
The Orquideorama is a construction which can be expanded if necessary by adding new hexagons to hold new flowers.





Fotos del Orquideorama extraídas del sitio web de Plan B http://www.planbarquitectura.com/, realizadas por Sergio Gómez y Carlos Mario Rodríguez respectivamente.

Fotos del Pabellón de España de Corrales y Molezún pertenecientes al Colegio de Arquitectos de Madrid.

Pictures from the Orquideorama are from the Plan B website http://www.planbarquitectura.com/, taken by Sergio Gomez and Carlos Mario Rodriguez.

Pictures from the Spanish Pavilion are from the Architects Association of Madrid (COAM).

miércoles, 8 de junio de 2011

Topkapi Saray



Hay algunos a quienes les encantan los espacios limpios, con pocos colores, muebles funcionales, líneas definidas, en resumen utilidad y belleza. Otros prefieren un totum revolutum, color, muebles sin función clara, paisajes, estampados, papeles pintados, objetos decorativos, fotografías, mezcla. Creo que el amar espacios limpios y funcionales no excluye apreciar la belleza de una yesería, de una alfombra persa, de un bonito brocado. Al estudiar Historia del Arte hay quienes defienden de forma fanática el arte contemporáneo y otros sólo encuentran poesía en la pintura figurativa del Barroco o del Romántico, a mi me gusta todo o casi todo. Otra cosa es lo que considere agradable para convivir, el color es importante para crear atmósferas, para transformar los espacios, pero el diseño debe ser funcional. Sin embargo seguramente porque son espacios que en la vida moderna resultan extravagantes y totalmente inútiles me dan mucha curiosidad los palacios, los grandes edificios de representación, las extrañas casas presidenciales. Resulta todo tan grandilocuente, los altos techos, las grandes ventanas, las lámparas de cristal que nadie sabe muy bien cada cuánto se limpian, los escondrijos para los adelantos modernos, el aire acondicionado, la calefacción, los baños. Uno de los palacios que más me gustaría visitar y que debe ser una locura de formas, colores, líneas, mensajes, es el Topkapi Saray en Turquía. Cuando vi por primera vez imágenes de los mosaicos del Topkapi me acordé de los versos de Rubén Darío que dicen “este era un rey que tenía un palacio de diamantes, una tienda hecha del día y un rebaño de elefantes, un kiosco de malaquita y un gran manto de tisú”, es imposible no pensar que cuando los escribió Darío no tenía en mente las evocadoras descripciones de los fastuosos palacios árabes o hindúes.
En el Topkapi como una ciudad en miniatura hay bibliotecas, mezquitas, kioscos, salones de recepción, cuartos privados, es un encuentro entre el arte clásico y el arte islámico, entre lo figurativo y delirante y lo austero y abstracto. Las vistas aéreas muestran un conjunto racional, enorme, con varios patios arbolados, un paraíso terrenal como corresponde a un palacio islámico pero el detalle de sus interiores revela una superposición de rectángulos, arcos, formas geométricas, representaciones coloridas. Pilares y arcos sobrios se unen a muros con decoraciones audaces.
A mediados del siglo XIX el Topkapi fue abandonado por resultar poco funcional, a pesar de haber crecido y haberse engrandecido a través de los siglos, desde su construcción inicial en torno a 1460. El gran palacio no pudo sobrevivir al empuje de la modernidad, pero el ser un edificio de pasado tan rico ha hecho que sobreviva a pesar de no ser “habitable”, su función es la de ser admirado, siendo valioso por ser testimonio vivo de una cultura, más allá de que puedas comprenderlo totalmente porque ¿cómo descubrir el sentido último de un conjunto con tantos siglos de historia?; es una metáfora del desarrollo y muerte del Imperio Otomano, la historia ha pasado y el palacio Topkapi como tantos otros edificios es la sombra de ese momento que sólo podemos imaginar. Increíbles acontecimientos debieron tener lugar entre sus muros y patios, pequeñas historias domésticas que nunca conoceremos, los amoríos de los sirvientes, las guerras y alianzas silenciosas en el harén, las conspiraciones en los salones de audiencia pública y en fin historias maravillosas que se contarían de generación en generación y que han  quedado atesoradas en medio de los muros decorados.



*Some people like clean spaces, useful furniture, sober colors, defined lines, in conclusion functionality and beauty. Others like to mix, bright colors, useless furniture, patterns, painted papers, curves. I believe that loving a simple decoration doesn´t prevent to appreciate the beauty of a Persian carpet, a well executed stucco, a brocade. When you study Art History you might be a defender of contemporary art or you might only like the figurative paintings of the Renaissance or the Romantic period; I love everything or almost everything. Another thing is to consider what you would really like to life with. For me color is essential to create spaces, atmospheres but I also like the functional and useful objects. However maybe because they are in modern times so extravagant and useless I like a lot the ancient palaces, big bureaucratic buildings, the strange presidential houses. Everything in those constructions is grandiloquent, the high roofs, the big windows, the crystal lamps witch nobody knows very well how often are they cleaned, the hidden places for the modern needs, heat, air conditioned, restrooms. One of the palaces I would like to visit the most is the Topkapi Saray in Turkey, the place must be a funny combination of lines, mosaics, forms, colors, messages. When I first saw pictures of this palace I instantly though of  some lines of one of Ruben Dario´s poems, “A king there was and far away, with a palace of diamonds and a shop front made of day. He had a herd of elephants, a kiosk, more, of malachite, and a robe of rarest blue”, surely Ruben Dario had the splendid Hindi or Islamic palaces in mind when he wrote his poem.
The Topkapi is like a tiny city composed of libraries, halls, gardens, private chambers, mosques, is an encounter between extravagance and austerity, obviously between occident and orient. The pictures taken from above show a complex of sober, rational buildings with a big garden yet inside pictures show the colorful detail of the decoration, a superposition of arches, pillars and audacious wall mosaics.
In the middle of the XIXth century the Topkapi Saray was abandoned for not been adequate to accommodate the court, even though it has evolved through the centuries from his first construction in 1460. The palace could not survive the changes of society, being a vivid legend contributed to transform the space into a museum and now his main role is to be admired and keep the secret of the story that has occurred between its walls. Incredible stories of the harem, the servants, the sultans, stories we can nowadays only imagine.

Para conocer mejor y ver muchas más fotografías del Topkapi Saray recomiendo visiten: http://www.topkapisarayi.gov.tr/
If you really wish to know more about the Topkapi and see beautiful pictures of it I suggest you visit this web site:

lunes, 6 de junio de 2011

Ana Karenina



Lo mejor de haber leído Ana Karenina fue que sorprendentemente yo no conocía el final, a pesar de ser una amante de la literatura rusa hasta hace poco no me había decidido a leer uno de sus más famosos títulos. Pensé de forma prejuiciosa que sería una desgarrada historia de amor clásico, no lo es o al menos no en la forma en la que uno se espera. Dentro de Ana Karenina aparte de una historia o varias historias de amor hay todo un mosaico de tipos humanos, fundamentalmente personas que intentan adaptarse a las circunstancias que les tocan vivir, se debaten entre el deseo y el deber, entre la convención y la rebeldía. Se tratan las auténticas preocupaciones del ser humano; el amor, la muerte, la búsqueda de la felicidad, la familia, el futuro. Todos los personajes tienen algo que te atrapa, que te hace comprender sus acciones incluso aquellas más reprobables. Ana Karenina no es el único personaje fascinante que dispuesta a empezar una vida diferente cree de forma ingenua que podrá modificar las consecuencias en su favor, Levin es el otro gran personaje de la historia, de forma paralela a Ana Karenina cree también ingenuamente que el trabajo en su granja, el cumplimiento del deber, le ayudarán a olvidar el amor, por el que se arrastrará hacia los encuentros sociales que tan extraños le resultan, por el que descubrirá la destrucción de los celos. Esteban Arkadievich, hermano de Ana Karenina, su esposa Dolly y su hermana Kitty, Karenin y fundamentalmente el conde Vronsky a través de sus relaciones con Levin o Ana, de sus sentimientos y preocupaciones, completan el relato de un tiempo y sus circunstancias, el fin de una forma de vivir y de un tipo de sociedad en el que las costumbres tenían un peso inexorable.
El inicio de la novela, muy conocido, es una frase incontestable “Todas las familias felices se parecen unas a otras; pero cada familia infeliz tiene un motivo especial para sentirse desgraciada”. Tras la lectura de Ana Karenina se comprende que no hay familias felices, sólo familias y que las personas intentan ser felices de la forma en la que les han enseñado a serlo, aferrados a unas creencias, a unas formas de ser, incluso a unas ideas fijas o por el contrario yendo a contracorriente, desafiando las normas, persiguiendo sólo sus deseos, mi conclusión es que puede que la felicidad consista en no hacerse demasiadas preguntas y en asumir que jamás está exenta de sufrimiento.
El fin de la novela tiene unas frases que son una conclusión hermosa de la historia; “Me sentiré irritado  como antes…seguiré discutiendo lo mismo, expresaré inadecuadamente mis pensamientos…Todo como antes. Pero a partir de hoy mi vida, toda mi vida…no será ya irrazonable…” las últimas frases no las he copiado para no estropear el final a quienes no la hayan leído. Ana Karenina fue publicada íntegra en 1877 pero los sentimientos de sus personajes son los propios de cualquier ser humano, aún hoy y siempre.




*The best thing of having read Anna Karenina is that surprisingly I didn´t know the end, even though I am a Russian literature lover I have not decided until recently to read this famous novel. I have always thought that Anna Karenina was a typical tragic love story, it is composed of some intense love stories but is deeper than that, it has a complete collage of human types, the stories of people that fight to adapt themselves to the circumstances of their time, they doubts between their desires and responsibilities, between social conventions and rebellion. The novel is about the real concerns of human beings; love, future, death, family, the search of happiness. All characters have something special, it is understandable the things they do, even the reprehensible acts. Anna Karenina it is not the only fascinating character, she who tries to change adverse consequences in an attempt to change her life, has a parallel in Levin, a man who takes shelter in his duties, his farm work, trying that way to forget love, a feeling through which he will experiment jealousy and be drag to social environments where he finds himself strange. Stepan Arkadyevitch, Anna´s brother, Dolly his wife and Kitty, Dolly´s sister, Karenin and especially Count Vronsky, all of them around Anna or Levin, through their own feelings and worries, complete the story of a time and its circumstances, the end of an era and of a society where customs were inflexible.
The very popular beginning of the novel is a truthful phrase “Happy families are all alike; every unhappy family is unhappy in its own way”, after reading Anna Karenina you understand there is not such a thing as happy families, there are only families, and essentially people who tries to be happy in the way they have taught to, attached to some customs, to some ideas, or on the contrary some tries to break with everything, to be faithful only to themselves, following only their desires. My conclusion is that happiness might consist in not making ourselves too many questions and accept that it is never exempt of suffering.
At the end of the novel some final phrases resume well all the complex feelings of the story, “I will feel irritated as before…I will argue the same, I will express inadequately my feelings. All the same as it was before. But from now on, my life, all my life…will no longer be unreasonable…” I have not copied all the final phrases to keep the secret to those who have not yet read the novel. Anna Karenina have been published entirely in 1877, but the feelings the story describes are the same today, and ever.


Además de los profundas sensaciones que describe, Ana Karenina, te permite viajar al Moscú y al San Petesburgo de finales del siglo XIX, con sus coches de caballos, abrigos de piel, salones, fiestas, grandes casas. Ana Karenina es descrita como morena, seductora y siempre con unas manos llenas de anillos. Las fotografías que he escogido para esta entrada (en blanco y negro) son: Princesa Ira Von Furstenberg fotografiada por Cecil Beaton en 1955, Escaleras del teatro y Tranvía girando de Alxander Rodchenko de inicios de los años 30.

Apart from the deep sensations Anna Karenina makes you travel to the Moscow and San Petersburg of the end of XIXth century, to the carriages, the fur coats, the ballrooms, the parties, the mansions. Anna is described as dark-haired, seductive and with hands full of rings. The pictures I have chose for this post (in black and white) are: Princess Ira Von Furstenberg photographed by Cecil Beaton in 1955, Theater squares and Tramline turning by Alexander Rodchenko in early 30´s.
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